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Emily Kame Kngwarreye

Collections

National Gallery of Australia, Canberra
National Gallery of Victoria, Melbourne
The Art Gallery of NSW, Sydney
Queensland Art Gallery, Brisbane
Art Gallery of South Australia, Adelaide
Art Gallery of Western Australia, Perth
Museum and Art Gallery of the Northern Territory, Darwin
Parliament House Art Collection, Canberra
ATSIC Collection, Canberra
The Araluen Centre of Arts and Entertainment, Alice Springs, NT
Powerhouse Museum, Sydney
Artbank, Sydney
Museum of Victoria, Melbourne
Campbelltown City Art Gallery, Sydney
Benalla Art Gallery, Victoria
University of New South Wales, Sydney
University of Sydney Union, Sydney
University of Wollongong Art Museum, NSW
University of New England, NSW
Victoria University of Technology, Melbourne
Flinders University Art Museum, Adelaide
Allen, Allen & Hemsley, Sydney
BP Australia
Transfield Collection, Sydney
The Holmes a Court Collection, Heytesbury
Auckland City Art Gallery, New Zealand
The Kasumi Co. Collection, Japan
Kelton Foundation, Los Angeles, USA
Seattle Art Museum, Seattle, USA
Kluge-Ruhe Aboriginal Art Collection, USA
University of Virginia, Charlottesville, USA
University of Miami, USA
K.L.M. Royal Dutch Airlines, Amsterdam, Holland
Chartwell Collection, New Zealand
Donald Kahn Collection, Lowe Art Museum,
The Vatican Collection, Rome, Italy
Elton John Collection…

Prix

Prix:

1992 Australian Artists Creative Fellowship, Australia Council.
1988 Keating Art Award

Record:

“Earth’s Creation I”, une peinture de 632× 275 cm réalisée en 1994, a été vendue à Sydney
A$ 2 100 000, le 16/11/2017, ce qui en fait l’œuvre d’art aborigène la plus cotée pour une femme aborigène.

Œuvres

Biographie

Emily Kame Kngwarreye est l’une des artistes contemporains les plus importants d’Australie. Emily est née au début du XXe siècle et a grandi dans une région désertique isolée appelée Utopia, à 230 kilomètres au nord-est d’Alice Springs, loin du monde de l’art qui la cherchait.

Bien qu’Emily ait commencé à peindre tard dans sa vie, elle était une artiste prolifique qui travaillait souvent à un rythme qui contredit son âge avancé. On estime qu’elle a produit plus de 3000 tableaux au cours de ses huit années de carrière, soit une moyenne d’une par jour.

Pendant pratiquement les deux tiers de sa vie, elle n’a eu que des contacts sporadiques avec le monde extérieur. Ce n’est que vers 80 ans qu’elle est devenue, presque du jour au lendemain, une artiste de renommée nationale et internationale.

C’est à Alhalkere que réside son essence, c’est son rêve qui est à la source du pouvoir créateur, de son savoir. Son identification avec Alhalkere était si profonde qu’elle a imprégné sa vie et son système de croyances, et régi ses relations de parenté et ses relations avec les autres. Alhalkere était la source de ses peintures – son génie de lieu. Même physiquement, le nez percé d’Emily rend hommage à l’ancêtre Alhalkere, un rocher percé se tenant sur le pays du même nom.

Alhalkere était le lieu et la loi qu’elle a constamment recréé dans son art. Les visions d’Alhalkere par Emily Kame Kngwarreye sont son héritage culturel personnel au monde. Chaque fois qu’on demandait à Emily d’expliquer ses peintures, qu’il s’agisse d’un voile de points scintillant, d’un champ de points «dépotoirs», de bandes brutes rayées à la surface ou de lignes noires élégantes, sa réponse était toujours la même:

“Awelye (mon rêve), Arlatyeye (igname au crayon), Arkerrthe (lézard du diable de la montagne), Ntange (graine d’herbe), Tingu (chiot Dreamtime), Ankerre (émeu), Intekwe (nourriture préférée de l’émeus), une petite plante), Atnwerle (haricot vert) et Kame (graine d’igname). C’est ce que je peins beaucoup.”

La mise en place de ces liens culturels forts avec sa communauté et son pays à travers des liens de parenté, l’histoire ancestrale et le droit était une pratique quotidienne qui a informé son art, rendant sa vie et son art indissociables.

Par extension, une exposition de son travail, qu’elle soit grande ou petite, est toujours la même histoire, dans laquelle l’ensemble traite de la totalité de son existence exprimée sous la forme de “Dreaming” dans toutes leurs manifestations.Les œuvres d’Emily permettent de trouver des liens visuels avec presque toutes les phases du modernisme occidental et avec certains aspects des pratiques artistiques japonaises.

Le fait qu’elle ne connaisse pratiquement rien du monde de l’art au-delà d’Utopia et qu’elle puise son énergie, sa créativité et son inspiration dans un petit coin de pays au centre de l’outback australien n’est qu’un des nombreux défis radicaux que son art pose.

Chronologie

vers 1910
Emily Kame Kngwarreye est née dans son pays, Alhalkere, à environ 230 km au nord-est d’Alice Springs, en Australie centrale. C’est ici qu’elle rencontre pour la première fois un homme blanc (et des chevaux) vers l’âge de 10 ans.

1920
Les premiers pasteurs s’installent sur les terres des peuples Anmatyerre et Alyawarr, qui comprennent le pays d’Emily, et nomment la région Utopia.

1930 et 1940
Emily subit un mariage arrangé. Comme beaucoup d’autres aborigènes, Emily et son mari travaillent dans des propriétés pastorales. Elle travaille également avec les équipes de dromadaires transportant des fournitures entre Alcoota et Wolfram Mine sur la station Mount Riddock. À la fin des années 1940, Emily se remarie, dans ce qu’elle appelle un «mariage amoureux».

1976
Les droits fonciers des autochtones sont accordés dans le Territoire du Nord et Emily quitte la propriété pastorale.

1977
La fabrication de batik est présentée aux femmes d’Utopia dans le cadre d’un programme d’éducation étendu financé par le gouvernement. C’est le début de l’utilisation par Emily des matériaux introduits dans son art.

1978
Le groupe Utopia Women’s Batik est formé, avec Emily comme membre fondateur.

1979
Emily et d’autres femmes impliquées dans la revendication territoriale d’Utopia organisent une cérémonie à Awelye avant une audience du tribunal des revendications territoriales, démontrant ainsi la nature puissante de l’art en tant que preuve de l’établissement d’un lien avec le pays. Les peuples Anmatyerre et Alyawarr acquièrent le droit de propriété sur Utopia en vertu de la loi de 1976 sur les droits territoriaux des peuples autochtones (Territoire du Nord).

1988
L’Association des médias autochtones d’Australie centrale (CAAMA) achève son premier projet avec Utopia Women’s Batik Group, appelé Utopia – A Picture Story. Les 88 batiks en soie sont acquis par la collection Holmes at Court à Perth.

1988–89
La boutique CAAMA, basée à Alice Springs, initie un projet visant à présenter le groupe Utopia Women’s Batik à la peinture sur toile avec des peintures acryliques. Parmi les 81 œuvres achevées, on peut citer Emu Woman, la première toile d’Emily Kame Kngwarreye, qui attire immédiatement l’attention. La demande pour son travail augmente à un rythme phénoménal jusqu’à sa mort, près de huit ans plus tard. On estime qu’Emily a produit plus de 3000 œuvres en huit ans, soit une moyenne d’une par jour.

1989
Emily Kame Kngwarreye et Louie Pwerle sont les premières récipiendaires du projet Artistes en résidence CAAMA / Utopia financé par la Fondation Robert Holmes at Court. Cette résidence a été complétée à Utopia.

1990
Avec Louie Pwerle, Emily fait un rare voyage hors du désert pour une exposition de leurs peintures à l’Institute of Contemporary Art de Perth.
Emily a cinq expositions personnelles à Sydney, Melbourne et Brisbane, en plus de 12 expositions de groupe. « Contemporary Aboriginal Art », Carpenter Centre for the Visual Arts, Harvard Uni. Massachusetts, USA.

1992
Emily se rend à Canberra pour recevoir une bourse de création d’artistes australiens du Premier ministre Paul Keating. C’est la première fois qu’un artiste autochtone reçoit ce prix prestigieux.
« Aboriginal Paintings from the Desert », touring Russia; « Crossroads, Towards a New Reality, Aboriginal Art from Australia », National Museum of Modern Art, Kyoto and Tokyo

1993
Emily complète son œuvre composée de 22 panneaux, Alhalkere Suite, qui lui a permis d’entrer dans le prix Joan and Peter Clemenger de l’art contemporain à la National Gallery of Victoria. L’œuvre appartient maintenant à la National Gallery of Australia. Big Yam Dreaming, une œuvre épique de 8 mètres sur 3 mètres, est terminée et donnée au National Gallery of Victoria.
« Aratjara – Australian Aboriginal Art », touring Germany, Londres (Haywood Gallery) et Denmark (Louisiana regional gallery)

1996
La Queensland Art Gallery organise une grande rétrospective nationale des œuvres d’Emily, prévue pour 1998. Emily rend hommage à la galerie en réalisant sa dernière installation majeure, Utopia Panels, composée de 18 pièces. Au cours des deux dernières semaines précédant son décès, Emily a peint une série de 24 petites toiles sur une période de trois jours, appelée « La dernière série ». Ces travaux représentent une rupture radicale avec tous les travaux précédents.
Emily décède le 2 septembre 1996.

1997
Biennale de Venise

1999
La première exposition en solo de ses oeuvres aura lieu à Amsterdam.

2000
Le travail de Kngwarreye faisait partie de huit groupes individuels et collaboratifs d’artistes indigènes australiens présentés dans le prestigieux Nicholas Hall du Musée de l’Ermitage en Russie. L’exposition a reçu un accueil positif des critiques russes, dont l’un a écrit:
C’est une exposition d’art contemporain, non pas dans le sens où elle a été faite récemment, mais en ce sens qu’elle s’inscrit dans la mentalité, la technologie et la philosophie de l’art radical des temps les plus récents. Personne, à part les Aborigènes d’Australie, n’a réussi à exposer un tel art à l’Hermitage.
2007
Tim Jennings, de la galerie et musée culturel Mbantua, achète sa peinture arth’s Creation, 1995 Synthetic polymer pant on linen, four panels, 632 x 275 cm, Est: A$500,000–700,000 se vend pour 1 056 000 dollars australiens lors d’une vente aux enchères de Deutscher-Menzies à Sydney, établissant un nouveau record d’œuvre aborigine.

2008
The National Art Center, Tokyo,

2013
The Emily Museum ouvre à Cheltenham, en Australie ; c’est le premier musée dédiée à un·e seul·e artiste aborigène.

2017
Earth’s Creation, 1995 Synthetic polymer pant on linen, four panels, 632 x 275 cm, Est: A$500,000–700,000 se revend A$2,100,000.

2019
La Galerie Gagosian à New York fait sa première exposition d’Art Aborigine avec olusieurs oeuvres d’Emily Kame Kngwarreye venant de Kluge-Ruhe Aboriginal Art Collection of the University of Virginia and the Collection of Steve Martin and Anne Stringfield